E eu digo isso com a autoridade de quem conhece Pitanga há mais de 60 anos.

Antes de existir a Zezé Motta, existia Maria José. Uma menina preta, jovem, sonhadora, ajudando Dona Maria nas costuras, tentando descobrir o mundo, estudando teatro no Tablado da Maria Clara Machado… e foi nesse tempo que apareceu Antônio Luiz Sampaio.

O nosso Pitanga.

Somos tão antigos, meu Deus, que chegamos a pegar bonde no Leblon juntos. E eu falo isso sorrindo, porque nossa amizade nasceu numa época em que sonhar era quase um ato de resistência para pessoas negras no Brasil.

Pitanga ia em casa falar com minha mãe para pedir autorização para me levar ao teatro. E lá íamos nós. Dois jovens pretos, apaixonados pela arte, caminhando por uma cidade que nem sempre nos enxergava, mas que jamais conseguiu apagar nossa vontade de existir.

O tempo passou. A Maria José virou Zezé Motta. E Antônio Luiz Sampaio virou Antônio Pitanga.

Mas a essência nunca mudou.

Pitanga nunca foi apenas um ator. Pitanga sempre foi acontecimento. Presença. Coragem.

Nascido no Pelourinho, em Salvador, vindo de uma origem humilde, órfão de pai ainda menino, criado por uma mãe trabalhadora, ele conheceu cedo as durezas desse país. Foi interno em orfanato, trabalhou como carteiro, tipógrafo, entregador de telegrama… aprendeu ofícios para sobreviver. Mas foi na arte que ele encontrou seu destino.

E que destino.

Pitanga ajudou a construir o cinema brasileiro moderno. Não existe Cinema Novo sem Antônio Pitanga. Não existe história do audiovisual brasileiro sem a força daquele corpo preto ocupando a tela com dignidade, inteligência, sensualidade, política e verdade.

Ele esteve em obras fundamentais como Barravento, de Glauber Rocha, O Pagador de Promessas, o filme brasileiro que conquistou a Palma de Ouro em Cannes, Ganga Zumba, A Grande Cidade, Quilombo e tantas outras obras que ajudaram a pensar o Brasil através da arte.

Mas talvez o que mais me emocione seja entender que Pitanga nunca separou o artista do homem político.

Muito antes de se falar sobre representatividade como hoje, Pitanga já colocava a boca no trombone. Já denunciava o racismo. Já exigia espaço para artistas
negros. Já brigava por respeito, por igualdade, por dignidade.

Se eu fui uma mulher que lutou e abriu caminhos, Pitanga fez isso em dobro. Porque ele nunca teve medo do enfrentamento. Nunca teve medo de cobrar. Nunca teve medo de incomodar.

E isso teve um preço.

Num Brasil atravessado pela ditadura, pela censura e pelo racismo estrutural, Pitanga escolheu permanecer de pé. Escolheu resistir através da arte. Escolheu transformar sua presença em manifesto.

Ele não foi só pioneiro. Ele foi ruptura.

Foi um dos primeiros homens negros brasileiros a protagonizar filmes com centralidade, complexidade e humanidade. Um ator que trouxe para o cinema personagens negros vivos, intensos, políticos, amorosos, contraditórios e fortes.

E o mais bonito de tudo: o tempo nunca conseguiu diminuir sua grandeza.

Pitanga atravessou décadas trabalhando. Cinema, televisão, teatro, direção, ativismo, formação cultural… sempre inquieto, sempre criando, sempre pensando no coletivo.

Hoje, quando vejo esse título chegando até ele, eu não vejo apenas uma homenagem acadêmica.
Eu vejo uma reparação histórica.

Vejo a universidade dizendo para um homem negro brasileiro: “Seu saber importa.” “Sua arte transformou o país.” “Sua luta abriu caminhos.” “Sua existência educou gerações.”

E educou mesmo.

Pitanga ensinou coragem para muita gente. Inclusive para mim.

Meu amigo querido… Que privilégio ter caminhado ao seu lado por tantos anos. Que privilégio ter visto de perto sua força, sua generosidade, sua indignação diante das injustiças e sua paixão pela arte.

Aqueles dois jovens pretos que pegavam bonde no Leblon continuam aqui. Só que agora carregando décadas de história, resistência e amor pela cultura brasileira.
Viva você, Pitanga. Viva sua voz. Viva sua coragem. Viva sua luta.

E obrigada. Obrigada por nunca ter se calado.

Zezé Motta

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Fotografado por Rafael Pavarotti, o projeto reúne nomes como Seu Jorge, Zezé Motta, Ingrid Silva, Rayssa Leal, além das modelos Victoria Blecher e Sheila Bawar. O casting aparece em estúdio sob a mesma lógica visual, com foco na presença coletiva e na construção de imagem a partir da diversidade de trajetórias.

O Rio de Janeiro deixa de ser pano de fundo e passa a operar como referência de identidade e linguagem dentro do sistema global de moda. A direção estética evita leituras óbvias e desloca o olhar para o comportamento e a potência cultural da cidade.

As escolhas de styling reforçam essa abordagem. Peças pessoais, vintage, acervo e itens atuais da marca são combinados sem hierarquia, refletindo um momento em que o valor está no repertório individual e não apenas na tendência.

A ativação ocorre em paralelo à abertura da nova loja da H&M na cidade, indicando uma estratégia clara de entrada no mercado brasileiro. Antes da operação comercial, a marca investe na construção de relevância cultural.

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Quando Dança um Baobá, estreia no próximo dia 07 de maio, às 19h, no Teatro Correios Léa Garcia – Centro Cultural Correios e conta  com supervisão de outra mulher negra que é referência nas artes, a atriz e cantora Zezé Motta. A direção artística é de Cátia Costa. O projeto, contemplado no edital Fluxos Fluminenses, conta com o patrocínio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa, Governo do Estado do Rio de Janeiro, Ministério da Cultura e Governo Federal.

O espetáculo ganha um contorno especial pela formação de Aisha: além de sua consolidada carreira nas artes dramáticas, a atriz é Bacharel em Dança pela  Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Essa dualidade artística permite que ela transite com precisão técnica pela “Técnica Mercedes Baptista” — a primeira codificação de dança afro-brasileira do país, que uniu o rigor clássico à ancestralidade dos terreiros de candomblé.

A peça, inspirada na biografia escrita por Paulo Melgaço – “Mercedes Baptista, A Identidade Negra na Dança”, adota um recorte temporal preciso: o período de efervescência social e política que antecedeu o golpe militar de 1964. A trilha original de Quando Dança um Baobá constroi uma poética entre memória e fabulação. Em sintonia, cenário, figurino e luz articulam uma estética que cruza tempos históricos criando camadas visuais e simbólicas. A encenação utiliza o palco como instrumento de transformação social, bebendo de fontes como o Teatro Experimental do Negro (TEN), de Abdias Nascimento, e a Casa Poema, de Elisa Lucinda.

‘’Esse projeto é uma reverência a Mercedes Baptista, uma mulher livre e visionária que traçou um paralelo entre o clássico e a ancestralidade para criar a Dança Afro-Brasileira. Fui provocada a dar vida a ela durante um debate e, desde então, mergulhei em uma pesquisa profunda para encontrar a pessoa por trás do mito. Meu desejo é enaltecer essa potência feminina e o protagonismo negro que ela pavimentou”, afirma Aisha Jambo.

“Mercedes Baptista é minha conterrânea e foi a precursora da dança afro-brasileira. É uma honra poder trazer meu olhar para este projeto, sobretudo, através da Mercedes Baptista, uma mulher negra, que revolucionou a cultura e arte no nosso país”, completa Zezé Motta.

Serviço

Quando Dança um Baobá

Local: Teatro Correios Léa Garcia – Centro Cultural Correios

Endereço: R. Visc. de Itaboraí, 20 – Centro, Rio de Janeiro – RJ

Data: estreia 7 de maio – de quinta a sábado – até 30 de maio

Horário: às 19h

Tempo de duração: 60 minutos

Classificação indicativa: livre

Formato: Monólogo musicado (Contrabaixo e Percussão)

Temática: Biografia de Mercedes Baptista / Protagonismo Negro / Dança Afro

Ingressos: R$ 30,00 inteira R$ 15,00 meia na bilheteria do teatro, em dias de espetáculo, a partir de 17h30.

FICHA TÉCNICA

Idealização e Elenco: Aisha Jambo

Realização: Jambo Produções

Direção Artística: Cátia Costa

Supervisão: Zezé Motta

Dramaturgia: Aisha Jambo, Nando Rodrigues e Cátia Costa

Coordenação de Produção: Aisha Jambo

Produção Executiva e Elaboração de Projeto: Paulo Mileno e Aisha Jambo

Produção: Nelson Neto

Direção Musical: Azulllllll

Cenografia e Visagismo: Alex Palmeira

Assistente de cenografia: Wadson Ferrer

Iluminação: Jessica Catharine

Colaboração cênica: Nando Rodrigues

Figurino: Humberto Correia

Composição contrabaixo e músico: Damu Telek

Composição percussão e musicista: Geiza Carvalho

Costureiro: Wenderson Corrêa

Consultoria de movimento: Charles Nelson

Preparação Corporal: Junior Andrade

Professor de balé: Julio Casares

Copy Desk: Sueli de Carvalho Silva

Pesquisa: Aisha Jambo, Paulo Mileno, Lucas Popeta e Gleyson Spadetti

Assessoria de Imprensa: First Press Comunicação

Assessoria digital: Staff Company

Agradecimento: Mestre Manoel Dionísio

Apoio:

Centro de Artes Calouste Gulbenkian

Espaço Cultural Municipal Baden Powell

Centro Coreográfico da Cidade do Rio de Janeiro

Espaço Cultural Municipal Baden Powell

Patrocínio:

Secretaria de Cultura e Economia Criativa, Governo do Estado do Rio de Janeiro, Ministério da Cultura, Governo Federal.

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Não era só sobre roupa. Era sobre presença.

A proposta partia de um conceito poderoso: a nobreza que não nasce do título, mas da construção. Da vida vivida com coragem, disciplina e entrega. Uma nobreza que vem do povo, da história, da ancestralidade — e que se revela, finalmente, em forma de beleza.

Na passarela, o que se viu foi uma narrativa viva. Referências à herança africana e à força da cultura negra brasileira surgiam em cada detalhe — nos tecidos, nas formas, na imponência dos looks. Havia ali ecos de figuras como Rainha Nzinga, Zumbi dos Palmares e Carolina Maria de Jesus — não como citação direta, mas como espírito.

A estética era forte, dramática, quase cerimonial. Volumes marcantes, texturas ricas e uma construção visual que evocava realeza — mas uma realeza reinterpretada, brasileira, construída a partir de outras raízes.

E talvez o mais interessante seja isso: “A Nobreza do Amor” não tenta se encaixar em referências tradicionais de luxo. Ela cria a sua própria.

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O artista Denis Pinho acaba de transformar um dos muros da Escola Estadual Doutor Baeta Neves em uma verdadeira obra de arte dedicada à potência de Zezé Motta.

Localizado em São Bernardo do Campo, o mural celebra não apenas a imagem da artista, mas tudo o que ela representa: força, história, representatividade e cultura. Com traços marcantes e olhar expressivo, a pintura captura a essência de Zezé, uma mulher que atravessa gerações e segue mais atual do que nunca.

A obra se torna um símbolo de reconhecimento dentro de um espaço de educação, conectando novas gerações a uma das figuras mais importantes da cultura brasileira.

Um gesto que eterniza, em cores e formas, o impacto de uma carreira que segue inspirando o Brasil.

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Com uma história profundamente ligada ao teatro desde sua estreia em Roda Viva, em 1967, Zezé construiu uma carreira marcada por personagens intensos, escolhas corajosas e uma presença cênica que atravessa gerações. Ao longo dos anos, sua atuação ajudou a moldar a dramaturgia brasileira, consolidando seu nome entre os maiores da cena nacional.

A homenagem no Prêmio Shell 2026 foi recebida com emoção e aplausos de pé, reunindo artistas, diretores e profissionais do setor em um reconhecimento coletivo à sua importância. Mais do que celebrar uma carreira longeva, o tributo destacou o impacto cultural de Zezé Motta — uma artista que segue ativa, relevante e em constante reinvenção.

Entre cinema, televisão, música e teatro, Zezé segue escrevendo novos capítulos de uma trajetória única. A honraria reafirma o que o público e a crítica já sabem há décadas: Zezé Motta não é apenas um nome da cultura brasileira — é um patrimônio vivo da nossa arte.

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Em um cenário marcado pela inteligência artificial e pela produção acelerada de conteúdo, a rara aposta no olhar humano como diferencial, mas unindo a tecnologia atual com a criatividade por trás das mentes femininas. A produtora acredita na narrativa visual como ferramenta estratégica para aproximar marcas e pessoas, unindo sensibilidade, técnica e tecnologia para ampliar resultados.

“Eu me senti muito honrada em ser escolhida para representar a mulher brasileira nesta campanha — não só por isso, mas também por saber que toda a Rara é feita por mulheres. Isso me enche de orgulho. Sou de um tempo em que, por trás das câmeras, só víamos homens e mais homens, alguns extremamente machistas. Chegar hoje a um set de filmagem e encontrar diretoras, produtoras, fotógrafas, cineastas… encontrar mulheres ocupando esses espaços é um sonho sendo realizado. É importante ressaltar que isso não é uma divisão, e sim a ampliação de espaço e de oportunidades para nós.”afirma Zezé Motta.

“O editorial que vocês irão conferir propõe, assim, uma celebração intergeracional da potência feminina, conectando passado, presente e futuro em uma narrativa visual que exalta identidade, diversidade e legado.” Completa Zezé.

No centro da história, Zezé Motta surge como a grande matriarca — símbolo de trajetória, resistência e legado. Com décadas de atuação no universo do audiovisual, a artista representa a mulher que abriu caminhos, construiu seu próprio espaço e deu voz a tantas outras ao longo de sua carreira. Sua presença na campanha não é apenas estética, mas simbólica: ela encarna a força ancestral que inspira, acolhe e impulsiona novas gerações.

“Ter Zezé Motta como âncora neste início é como receber a bênção de uma anciã — uma figura de proteção e guia, cuja força e resiliência iluminam e fortalecem as mulheres que seguem adiante.” Afirma Marina Acrina, diretora e fundadora da Rara.

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Ícone da dramaturgia brasileira, Zezé retorna à TV reafirmando sua força e relevância em mais de seis décadas de carreira. A novela contará ainda com um elenco de peso, reunindo grandes nomes da televisão em uma história que promete emocionar o público.

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Visualmente, o filme tem uma atmosfera lúdica: transições suaves, sensação de tempo dilatado, planos que alternam as belezas naturais e os desafios urbanos com detalhes da menina, da bicicleta e do capacete colorido, cheio de adesivos que remetem ao Rio (capivaras, desenho do calçadão, figuras infantis). A voz de Zezé Motta colabora com uma interpretação poética e afetiva da atmosfera carioca e abre um diálogo com o olhar e a sensibilidade narrativa do filme, ao transmitir a cada imagem, a seguinte mensagem: o Rio é para sonhar.

Confira abaixo o vídeo:

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